Breve repaso a la historia de la música y el cine

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1900s

1900 – Primer plano, una técnica tan simple como importante

Primera vez que se utiliza la técnica del primer plano, en el cortometraje Grandma’s Reading Glass, del pionero del cine George Albert Smith. Los inicios del cine estuvieron protagonizados por ingeniosos realizadores (a veces magos e ilusionistas) británicos y franceses.

1902 – ‘The Entertainer’, el ritmo arrítmico del ragtime

Scott Joplin confirma el éxito popular del ragtime con ‘The Entertainer’. El ragtime (literalmente «tiempo rasgado») se caracterizaba por ritmos rápidos y sincopados, con protagonismo para el piano. Fue una de las influencias para el desarrollo del jazz.

1902 – Viaje a la Luna, llega la ciencia ficción

El pionero francés Georges Méliès asombra al público con Viaje a la Luna, la primera película de ciencia ficción. Sus 14 minutos supusieron toda una revolución en la duración de las películas, y su temática fantástica así como sus efectos especiales inspiraron a los directores de todo el mundo. Se considera además que Viaje a la Luna fue el primer taquillazo mundial, aunque en muchas ocasiones se proyectó de manera ilegal en muchas salas de cine.

1905 – Variety, haciéndose eco de la actualidad del cine

En Estados Unidos se pone a la venta la revista Variety, la decana de las revistas dedicadas a cubrir la información relacionada con la industria cinematográfica. Las revistas de cine serán una parte fundamental de la industria, creando interés entre el público por la vida privada de los actores, que se convertirían en estrellas.

1906 – El primer largometraje de la historia

Desde Australia llega The Story of the Kelly Gang, el primer largometraje de la historia del cine. Sus 60 minutos de duración sorprenden al público, que debe empezar a acostumbrarse a cintas más largas. Esto hará que las propias salas de cine mejoren sus prestaciones. The Story of the Kelly Gang además inicia el subgénero bushranger, dedicado a seguir las aventuras de los forajidos del salvaje interior australiano.

1907 – Caruso, la primera estrella musical

Enrico Caruso vende millones de copias cada vez que graba una canción. Fichado por la discográfica Victor Talking Machine Company, el tenor italiano se especializa en baladas románticas, en arias de ópera y en canciones populares.

1908 – El primer genio aragonés del cine 

La aportación de Aragón al Séptimo Arte no se queda en Carlos Saura (1932-2023) y Luis Buñuel (1900-1983). Antes que ellos estuvo Segundo de Chomón (1871-1929), un ingenioso pionero de los efectos especiales. En 1908 sorprende a la audiencia con la mágica La Casa Embrujada.

1909 – ¿El primer disco de la historia?

En 1909 la discográfica Odeon publica el ballet El cascanueces en un disco plano. Se considera esta grabación el primer álbum de la historia.

1910s

1911 – El comienzo de Hollywood

Los inicios de la industria cinematográfica en Estados Unidos tuvieron lugar en la Costa Este, especialmente en Nueva York y Nueva Jersey. En 1911 se abre el primer estudio de cine en el barrio angelino de Hollywood. Rápidamente esta zona de Los Ángeles irá recibiendo a nuevas productoras y se establecerá como el centro de la industria no solo en el país, sino también a nivel internacional.

1912 – Se funda Paramount Pictures

Una de las Big Five productoras se funda en Hollywood este año. Las otras serán Warner Bros. (1923), Metro-Goldwyn-Mayer (1924), RKO Pictures (1929) y 20th Century Fox (1935). Mantendrán un poder total sobre la industria (producción-distribución-exhibición) hasta 1948, cuando la Corte Suprema de Estados Unidos prohíba las prácticas monopolísticas.

1914 – Debut de Charles Chaplin

Este año el londinense participa como extra en sus primeros cortometrajes e incluso escribe alguno de ellos. En la década siguiente se establecería como un icono del cine de comedia, al que dio un toque de ternura.

1914 – El primer éxito del blues

Natural de Alabama, W.C. Handy publica ‘The Saint Louis Blues’, el primer éxito del género.

1915 – El nacimiento de una nación, el cine se hace mayor

Con la polémica El nacimiento de una nación, de D.W. Griffith, se considera que se inicia el cine moderno. La longitud del filme, la existencia de una narrativa cinematográfica y las innovaciones técnicas son algunas de las razones por las que esta película es clave en el desarrollo del cine como arte. Sin embargo la película enfrentó importante oposición por su mensaje racista.

1917 – Las primeras grabaciones de jazz

Aunque el género ya llevaba sonando unos años, es en 1917 cuando entra por primera vez en un estudio de grabación. Son la Original Dixieland Jass Band los encargados de grabar los primeros sencillos del género, que sin embargo se caracteriza por la improvisación.

1917 – Primera película en Technicolor

The Gulf Between es la primera película rodada con la técnica de coloración de Technicolor, consistente en la grabación de tres versiones de la película, cada una filtrando un color primario: rojo, verde y azul. Luego los rollos de esas versiones se tiñen con los colores correspondientes y se proyectan juntas para crear la imagen en color completa.

1920s

1922 – El cine de capa y espada

Douglas Fairbanks protagoniza Robin Hood, una de las grandes películas de aventuras del cine mudo. El actor estadounidense ya se había convertido en una estrella con La marca del Zorro, y durante los años veinte consolidó el llamado cine de capa y espada: historias de héroes ágiles, duelos, castillos, disfraces y persecuciones. Antes de los superhéroes, el cine ya tenía a sus justicieros acrobáticos.

1924 – ‘Rhapsody in Blue’ y la madurez del jazz

La crítica empieza a tomarse en serio el jazz gracias a ‘Rhapsody in Blue’, del genio George Gershwin.

1925 – ‘El acorazado Potemkin’ y el poder del cine

El director soviético Serguéi Eisenstein estrena El acorazado Potemkin, una de las películas más influyentes de la historia. Su célebre escena de la escalera de Odesa demuestra la fuerza del montaje cinematográfico para crear tensión, emoción y significado político. La película convirtió al cine en una herramienta artística, narrativa y propagandística de primer orden.

1927 – «Todavía no habéis escuchado nada»

Con El cantor de jazz, protagonizada por Al Jolson, el cine sonoro irrumpe de manera definitiva en la industria. La película no fue completamente hablada, pero sí incluyó canciones y frases sincronizadas que impresionaron al público. La famosa expresión «You ain’t heard nothin’ yet» anunciaba un cambio histórico: el cine mudo empezaba a quedar atrás.

1929 – Desde Cuba para el mundo

El músico cubano Ernesto Lecuona compone Siboney, una de las canciones más conocidas de la música cubana. Durante las décadas siguientes, los ritmos procedentes de Cuba —son, rumba, bolero, mambo o cha-cha-chá— viajarán por América y Europa, influyendo decisivamente en la música popular del siglo XX.

1929 – Primera edición de los Premios Óscar

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood celebra la primera ceremonia de los Premios Óscar. Fue una gala breve, muy alejada del espectáculo televisivo actual, pero inauguró el sistema de premios más famoso de la industria del cine. Desde entonces, los Óscar se convirtieron en una herramienta de prestigio, promoción y memoria cinematográfica.

1930s

1931 – Universal apuesta por el terror

Universal Pictures estrena Drácula y Frankenstein, dos películas fundamentales para el nacimiento del cine de terror clásico. Bela Lugosi y Boris Karloff se convierten en rostros inseparables de estos monstruos, y el estudio inicia una etapa dorada del género con momias, hombres invisibles, hombres lobo y criaturas fantásticas.

1931 – Cab Calloway y ‘Minnie the Moocher’

Cab Calloway populariza Minnie the Moocher, una de las canciones más reconocibles de la era del jazz. Su famoso «hi-de-hi-de-hi-de-ho» convirtió la canción en un éxito inmediato y reforzó la importancia del cantante como showman. Calloway fue además una figura clave del Cotton Club de Harlem, donde el jazz se mezclaba con espectáculo, baile y vida nocturna.

1932 – La primera guitarra eléctrica

La compañía Rickenbacker comercializa una de las primeras guitarras eléctricas de la historia, conocida popularmente como frying pan por su forma de sartén. Aunque al principio se utilizó sobre todo en música hawaiana y country, la electrificación de la guitarra cambiaría para siempre la música popular. Sin este invento no se entenderían el blues eléctrico, el rock and roll, el heavy metal o el pop moderno.

1934 – Las comedias screwball

Sucedió una noche, de Frank Capra, impulsa el éxito de las comedias screwball, un tipo de comedia romántica rápida, sofisticada y llena de diálogos ingeniosos. Durante los años treinta, este género ofreció al público historias ligeras, enredos amorosos y personajes excéntricos, muchas veces en contraste con el clima social de la Gran Depresión.

1935 – Adiós a Gardel

Carlos Gardel muere en un accidente de avión en Medellín, Colombia. Su fallecimiento conmociona al mundo hispanoamericano y convierte al cantante en una leyenda. Gardel no solo fue la gran voz del tango, sino también una estrella cinematográfica internacional, capaz de llevar la música rioplatense a públicos de todo el mundo.

1937 – ‘Blancanieves y los siete enanitos’

Walt Disney estrena Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje de animación producido en Estados Unidos. Muchos dudaban de que el público pudiera emocionarse durante más de una hora con dibujos animados, pero la película fue un éxito enorme. Desde entonces la animación dejó de verse como un simple entretenimiento breve y comenzó a ocupar un lugar central en la historia del cine.

1937 – ‘Sing, Sing, Sing (With a Swing)’

Benny Goodman graba ‘Sing, Sing, Sing (With a Swing)’, una de las piezas más famosas de la era del swing. La batería de Gene Krupa, los metales y el ritmo contagioso de la orquesta resumen el sonido de las big bands, que dominaron la música popular estadounidense durante los años treinta y cuarenta.

1939 – El año de Victor Fleming

Victor Fleming dirige dos de las películas más famosas de la historia del cine: El mago de Oz y Lo que el viento se llevó. La primera se convirtió en un clásico familiar lleno de fantasía, color y canciones inolvidables; la segunda fue una superproducción épica que arrasó en taquilla y en los Óscar. 1939 suele considerarse uno de los grandes años dorados de Hollywood.

1940s

1942 – ‘White Christmas’, el sencillo más vendido

Bing Crosby graba White Christmas, una canción escrita por Irving Berlin que se convertirá en uno de los mayores éxitos comerciales de todos los tiempos. Su tono nostálgico conectó especialmente con el público durante la Segunda Guerra Mundial, cuando millones de personas estaban lejos de sus hogares. Desde entonces, la canción quedó asociada de manera inseparable a la Navidad.

1942 – ‘Casablanca’, una joya en mitad de la guerra

Michael Curtiz dirige Casablanca, protagonizada por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial, la película mezcla romance, intriga, sacrificio y propaganda antifascista. Sus frases, su atmósfera y sus personajes la convirtieron en una de las obras más recordadas del Hollywood clásico.

1945 – El neorrealismo italiano tras la guerra

1950s

1950 – Chess Records y el éxito del blues

En Chicago se consolida Chess Records, una discográfica fundamental para el desarrollo del blues eléctrico. Por su catálogo pasarán artistas como Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Willie Dixon, Etta James o Chuck Berry. Su sonido urbano, amplificado y poderoso será una de las bases del rhythm and blues y del futuro rock and roll.

1952 – Gibson saca a la venta el modelo Les Paul

La marca Gibson lanza la guitarra Les Paul, diseñada en colaboración con el músico e inventor Les Paul. Su cuerpo sólido y su sonido potente la convertirán en uno de los modelos más importantes de la historia de la música popular. Con el tiempo será utilizada por guitarristas de blues, jazz, rock, hard rock y heavy metal.

1952 – La edad dorada del cine musical

Se estrena Cantando bajo la lluvia, dirigida por Gene Kelly y Stanley Donen. La película mira con humor y nostalgia el paso del cine mudo al cine sonoro, y al mismo tiempo resume la grandeza del musical clásico de Hollywood: coreografías espectaculares, canciones pegadizas, decorados coloridos y un enorme sentido del espectáculo.

1954 – El inicio de género kaiju

En Japón la productora Toho lleva a la gran pantalla el mito de la bestia Godzilla. La película es un éxito y da inicio al género kaiju, en el que el protagonismo lo tienen los grandes monstruos. Godzilla se ha entendido posteriormente además como una metáfora de la destrucción de las bombas atómicas.

1955 – El rock and roll empieza a sonar

Rock Around the Clock, de Bill Haley & His Comets, se convierte en un fenómeno juvenil tras aparecer en la película Semilla de maldad. El rock and roll, nacido de la mezcla entre rhythm and blues, country, gospel y boogie-woogie, empieza a ser visto como la música de una nueva generación: ruidosa, bailable y desafiante.

1956 – Ha llegado el Rey

Elvis Presley publica Heartbreak Hotel y aparece en televisión ante millones de espectadores. Su voz, su forma de moverse y su mezcla de influencias negras y blancas lo convierten en el gran icono del rock and roll. Para muchos jóvenes fue una revelación; para muchos adultos, un escándalo.

1958 – Vértigo, la mejor película de la historia

Alfred Hitchcock estrena Vértigo, una obra que en su momento recibió críticas desiguales pero que con el paso del tiempo se convirtió en una de las películas más admiradas de la historia. Su combinación de obsesión, misterio, trauma, deseo e innovación visual resume la capacidad de Hitchcock para convertir el suspense en arte cinematográfico.

1958 – ‘Johnny B. Goode’

Chuck Berry publica Johnny B. Goode, una de las canciones esenciales del rock and roll. Su riff de guitarra inicial se convirtió en una de las secuencias más reconocibles de la música popular. La canción cuenta la historia de un joven guitarrista con talento, casi una autobiografía musical del propio Berry y de toda una generación.

1959 – Primera edición de los Premios Grammy

La industria musical estadounidense celebra la primera edición de los Premios Grammy, creados para reconocer los logros artísticos y técnicos de la música grabada. Con el tiempo, estos premios se convertirán en el equivalente musical de los Óscar, aunque también serán criticados por sus ausencias, polémicas y criterios comerciales.

1960s

1960 – Años de soul

El soul empieza a dominar la música popular afroamericana, combinando gospel, rhythm and blues y una enorme intensidad vocal. Artistas como Ray Charles, Sam Cooke, Aretha Franklin, Otis Redding o James Brown darán forma a un sonido profundamente emocional, bailable y conectado con los cambios sociales de la década.

1960 – Goddard revoluciona el cine

Jean-Luc Godard estrena Al final de la escapada, una de las películas clave de la Nouvelle Vague francesa. Con saltos de montaje, rodaje en exteriores, cámara ligera y una actitud irreverente hacia las normas del cine clásico, Godard abre una nueva forma de entender el lenguaje cinematográfico.

1962 – Las cámaras de 70mm de Panavision

Lawrence de Arabia populariza el uso del formato Super Panavision 70, que permitía imágenes de gran amplitud y enorme calidad visual. Este tipo de formato reforzó la espectacularidad del cine épico, pensado para grandes pantallas y salas llenas. En una época en la que la televisión crecía, Hollywood buscaba ofrecer al público una experiencia imposible de reproducir en casa.

1963 – The Freewheelin’ Bob Dylan

Bob Dylan publica The Freewheelin’ Bob Dylan, el disco que lo convierte en una de las voces más importantes de la canción protesta. Temas como «Blowin’ in the Wind» muestran que la música popular podía tratar asuntos políticos, sociales y morales sin perder fuerza poética. Dylan se convertirá en una figura central de los años sesenta.

1964 – La invasión británica

The Beatles llegan a Estados Unidos y desatan la llamada invasión británica. Grupos como The Rolling Stones, The Kinks, The Animals o The Who conquistarán el mercado estadounidense y transformarán el sonido del pop y del rock. Por primera vez, Reino Unido marca el ritmo de la música juvenil global.

1965 – Bob Dylan inicia el folk rock

Bob Dylan electrifica su sonido y publica Like a Rolling Stone, una canción larga, áspera y llena de imágenes literarias. Su actuación en el Festival de Newport de 1965 provocó rechazo entre algunos seguidores del folk tradicional, pero abrió una nueva etapa para la música popular. El folk rock demostraba que una canción podía ser eléctrica, poética y crítica al mismo tiempo.

1966 – Sergio Leone termina su Trilogía del Dólar

Sergio Leone estrena El bueno, el feo y el malo, cierre de su Trilogía del Dólar. Con Clint Eastwood como icono silencioso y la música inolvidable de Ennio Morricone, el western europeo adquiere personalidad propia. Leone transforma el género con primeros planos extremos, duelos larguísimos, violencia estilizada y una mirada más cínica sobre los héroes.

1966 – Brian Wilson explora con sus Beach Boys en Pet Sounds

The Beach Boys publican Pet Sounds, un disco ambicioso, melancólico y lleno de arreglos poco habituales en el pop de la época. Brian Wilson utiliza el estudio como un instrumento más, combinando armonías vocales, instrumentos orquestales, sonidos cotidianos y una sensibilidad adolescente cada vez más adulta. El álbum influirá de manera decisiva en los Beatles y en la música posterior.

1967 – Bonnie and Clyde aumenta la violencia en el cine

Arthur Penn estrena Bonnie and Clyde, una película que rompe con muchas normas del Hollywood clásico. Su mezcla de romanticismo, humor negro y violencia explícita anticipa el cambio de sensibilidad del cine estadounidense. El público joven conectó con sus protagonistas rebeldes, mientras la crítica discutía hasta dónde podía llegar la representación de la violencia en pantalla.

1967 – Los Beatles inician la Era del Álbum

The Beatles publican Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, un disco que refuerza la idea del álbum como obra completa, no como simple colección de canciones. Su diseño, su producción, sus letras y su variedad sonora marcaron un antes y un después. A partir de entonces, muchos artistas empezaron a pensar el disco como una unidad artística.

1968 – Kubrick presenta 2001: una odisea del espacio

Stanley Kubrick estrena 2001: una odisea del espacio, una película de ciencia ficción radicalmente distinta a lo habitual. Con pocos diálogos, una estructura misteriosa, música clásica e imágenes de enorme precisión visual, Kubrick convirtió el viaje espacial en una reflexión sobre la evolución humana, la tecnología y el sentido de la existencia.

1968 – Se crea el heavy metal

A finales de los años sesenta varios grupos endurecen el sonido del rock con guitarras más pesadas, distorsión, baterías contundentes y una estética más oscura. Bandas como Cream, Blue Cheer, Iron Butterfly, Led Zeppelin o Black Sabbath preparan el nacimiento del heavy metal. No fue un invento de un solo grupo ni de un solo año, sino una transformación progresiva del rock hacia sonidos más densos y agresivos.

1969 – Festival de Woodstock

Durante tres días de agosto se celebra el Festival de Woodstock, uno de los grandes símbolos de la contracultura de los años sesenta. Allí tocaron artistas como Jimi Hendrix, Janis Joplin, The Who, Santana, Joan Baez o Crosby, Stills, Nash & Young. Más que un festival, Woodstock se convirtió en una imagen generacional: música, juventud, pacifismo y espíritu hippie.

1970s

1972 – El Padrino cambia el cine de gánsteres

Francis Ford Coppola estrena El Padrino, una de las grandes películas del Nuevo Hollywood. La historia de la familia Corleone transformó el cine de gánsteres al mezclar crimen, poder, familia, inmigración y tragedia clásica. Marlon Brando y Al Pacino dieron vida a personajes que se convertirían en iconos absolutos de la historia del cine.

1975 – Nace el blockbuster moderno

Steven Spielberg estrena Tiburón, una película que cambia la forma de estrenar, promocionar y consumir cine comercial. Su campaña publicitaria, su estreno masivo en salas y su enorme recaudación inauguraron el modelo del blockbuster veraniego. Desde entonces, Hollywood empezó a pensar cada vez más en grandes lanzamientos capaces de dominar la conversación cultural.

1977 – Star Wars convierte el cine en universo

George Lucas estrena Star Wars, una aventura espacial que mezcla ciencia ficción, fantasía, western, cine bélico y mitología clásica. Su éxito fue enorme y cambió la industria: merchandising, sagas, efectos especiales, bandas sonoras sinfónicas y mundos narrativos expansivos. El cine comercial entraba en una nueva época.

1978 – Éxito global de la música disco

La fiebre de la música disco se extiende por todo el mundo gracias al éxito de Fiebre del sábado noche y a la popularidad de grupos como Bee Gees, Chic, Boney M. o ABBA. Las discotecas se convierten en espacios centrales de ocio juvenil, baile, moda y cultura urbana. El ritmo de la pista de baile marcará buena parte del pop posterior.

1980s

1981 – El synth pop se establece como sonido de la década

El uso de sintetizadores, cajas de ritmos y sonidos electrónicos empieza a dominar la música pop. Grupos como Depeche Mode, Soft Cell, The Human League o Orchestral Manoeuvres in the Dark construyen canciones frías, bailables y futuristas. El sonido electrónico deja de ser experimental y se convierte en parte del paisaje musical de los años ochenta.

1984 – Un año especialmente prolífico

En 1984 se estrenan varias películas que pasarán a la historia como obras representativas de la década de los ochenta: Footloose, Gremlins, Indiana Jones y el Templo Maldito, Karate Kid, Los cazafantasmas, Terminator, La Historia Interminable o Pesadilla en Elm Street. Todas ellas tienen un gran impacto en la juventud y sobreviven al paso del tiempo convirtiéndose en clásicos de la cultura popular.

1985 – Se organiza el macro-concierto benéfico Live Aid

El 13 de julio de 1985 se celebra el Live Aid, un doble concierto simultáneo en Londres y Filadelfia organizado por Bob Geldof y Midge Ure para recaudar fondos contra la hambruna en Etiopía. Actuaron Queen, U2, David Bowie, Madonna, Elton John, Paul McCartney, The Who o Led Zeppelin. Fue uno de los grandes acontecimientos musicales televisados del siglo XX.

1990s

1991 – Año clave para el grunge

Nirvana publica Nevermind y el grunge salta desde Seattle al mercado global. Junto a grupos como Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains, Nirvana representa una música más áspera, desencantada y alejada del brillo del pop de los ochenta. Kurt Cobain se convierte, casi a su pesar, en el rostro de una generación.​

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2000s

2001 – Apple presenta iTunes y el iPod 

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2001 – Se inician varias sagas de éxito 

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2004 – Primera Ola del reggaetón

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2008 – Disney penetra en la industria musical

The Walt Disney Company entra con fuerza en la industria musical a través de su sello Hollywood Records, bajo el que en 2008 produce álbumes para Demi Lovato (Don’t Forget), Vanessa Hudgens (Identi︎fied), los Jonas Brothers (A Little Bit Longer) y Miley Cyrus (Breakout).

2009 – James Cameron se supera a sí mismo con Avatar

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2009 – Éxito global de la música electrónica de baile

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2010s

2010 – Debut de Justin Bieber

Con el hiperradiado sencillo ‘Baby’ el joven de 16 años Justin Bieber entra en la escena musical. El canadiense será una de las grandes estrellas de la década, aunque enfrentará críticas continuas por su trayectoria profesional y también personal.

2012 – Empieza la locura por los superhéroes

Liderado por los estudios Marvel (Disney Productions) y DC (Warner Bros.) el cine de superhéroes entra en una fase de producción masiva en cadena. El resultado: épicos crossovers, taquilla multimillonaria e impacto cultural total entre la población.

2012 – Éxito global del ‘Gangnam Style’

La canción que hizo que YouTube actualizara su sistema de conteo por tener que admitir, por primera vez, la cifra de 1.000.000.000 de visualizaciones. El éxito fugaz de ‘Gangnam Style’ sería un adelanto de en lo que se convertiría la industria musical durante el siglo XXI: canciones virales durante un breve periodo de tiempo y cantantes aupados por las discográficas de manera puntual, y que luego caen en el olvido. Un consumo musical de usar y tirar.

2016 – Error histórico en los Óscars

En el año de La La Land el momento cinematográfico más recordado es el fallo que cometen los veteranos Faye Dunaway y Warren Beatty a la hora de entregar el Óscar a Mejor Película. Es uno de los pocos «momentazos» que dan las ceremonias de los Óscar, que viven años de mínimos históricos en audiencia.

2017 – Sencillos digitales

Este año se publican los dos sencillos digitales (digital singles) más vendidos de la historia: ‘Shape of You’ (Ed Sheeran) y ‘Despacito’ (Luis Fonsi). Este último confirma además el éxito de la música latina a nivel global, de la mano de géneros como el pop latino, del reggaetón y del trap latino.

2020 – El COVID-19

Las restricciones impuestas por las autoridades para luchar contra la pandemia del COVID-19 asientan un cambio en la forma de consumo de cine. En el mundo post-COVID la cultura de las salas de cine irá desapareciendo y el uso de las plataformas de video bajo demanda (VOD) se impondrá a la hora de ver películas.